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Experiencia Panorama
08:00 AM / 19/11/2018
La fiesta de Carmelo Niño
Alexis Blanco [email protected]

Carmelo Niño festeja sus Bodas de Oro como artista, presentando un libro de artista que, junto con Bélgica Rodríguez y Antonio Ascaso, brinda un viaje antológico por la vida y obra de uno de nuestros creadores más importantes, quien desde su celular respondió la entrevista ad hoc.


 -¿Por qué y para qué este libro? 
-Este libro es una iniciativa de Antonio Ascaso, desde el año 2011, durante una conversación que tuvimos me anunció que estaba pensando hacer un libro sobre mi obra, allí quedó el proyecto planteado. Hace dos años y medio comenzamos a darle forma y a pensar en las obras que formarían parte de ese libro,  partiendo de algunos trabajos del periodo inicial de mi carrera, pasando por la época de los dibujos y la entrada del color y hasta el periodo actual de las esculturas. Estoy de acuerdo con Belgica Rodríguez cuando dice que una publicación cómo está hay que hacerla o es posible cuando el artista vive, después que el artista desaparece es muy difícil llevarla a cabo. 


-¿Es este libro el pasaporte artístico para insertarse definitivamente en el mercado universal del arte?
La importancia de un libro es que te permite reunir gran parte de tu vida en un instrumento que es clave para la proyección de toda tu obra, este libro es el inicio de un gran proyecto elaborado por el galerista y que con el trabajo de una crítico de arte como lo es Bélgica Rodríguez permitirá la expansión a nivel internacional de mi trabajo teniendo como plataforma Miami, desde donde arrancará ese proyecto con el bautizo del libro en el marco de una gran exposición y que luego comenzará un circuito que incluye, en Venezuela, a Caracas, posiblemente Maracaibo, además de otras ciudades y de otros  países. Ya Bélgica está pensando en elaborar un calendario y un catálogo internacional que incluya las obras que se expondrían en diferentes exposiciones aparte del libro que se estaría bautizando en esos eventos. 


-La autora habla en él del desarraigo como un tema importante de su obra..¿Cuánto determina esto último en su decisión de marcharse del país...? ¿A qué se debe la misma, desde su condición de artista?
 Cuando Belgica habla del desarraigo en mi obra, posiblemente se refiere a que mi obra no parte de un entorno definido como es el caso de algunos artistas del movimiento que se generó en el Zulia a principios de los setenta y que se dio a conocer como la escuela de Maracaibo, mi obra parte de mi entorno íntimo y espiritual y de una atmósfera muy personal que solo era posible hacerla desde una ciudad con una luz como la de Maracaibo. Sí podría decir que esa luz mágica sí influyó en mis atmósferas. En cuanto a mi proyecto de establecerme también en otra parte no significa que dejare mi país, estaré también aquí y aquí dejaré mi casa para venir a trabajar varios meses al año, por ej artistas como Jesus Soto y Carlos Cruz Diez nunca dejaron de estar en Venezuela, ellos siempre tuvieron sus talleres aquí también. Lo bueno de un artista es que puede hacer su obra en cualquier parte!!


-¿Cómo reinterpreta esa heredad materna que lo vincula con el espectáculo del circo...Cuán importante ha resultado ese hecho clave?

La influencia de mis padres, sobre todo la de mi madre, parte de “lo que me contaron” de esa parte de sus vidas, vida que yo no viví porque yo no había nacido, pero si estuve constantemente en medio de esas historias y anécdotas, de esa vida que ellos y mis hermanos mayores si vivieron. En mi casa había un “cuarto de los recuerdos”, donde yo me encerraba muy a menudo a escudriñar baúles donde había vestigios de esa otra vida de ellos, eran objetos mágicos y trajes propios de un circo,  con mucha carga y donde yo muchas veces me quedaba dormido en medio de ese otro mundo! Por eso cuando algunos dicen ligeramente “hasta cuándo Arlequines”, no tienen idea de lo que están diciendo, eso no es un capricho, eso está muy bien fundamentado en mi alma y en mi espíritu, es la propia marca. Eso sería como decir sobre Soto, hasta cuando rayitas y varillitas, sin tomar en cuenta la infancia de Soto en medio de la lluvia y la naturaleza y vegetación en 
movimiento de Ciudad Bolívar. 

-Ese carácter onírico de su obra, ¿cómo condensa el conjunto de sus demás experiencias estéticas con otras disciplinas de la creación?

 Consideró que es allí donde entra en juego el subconsciente. No todo el proceso en la obra es controlado por uno, la técnica depende totalmente de  la destreza y el conocimiento, pero el contenido se escapa y es cuando la magia aparece y es la que señala el resultado de la obra. En mi caso lo onírico o la parte de los sueños es protagonista, entonces de allí surgen los llamados “fantasmas” que de una manera surrealista se desarrollan en toda la obra, lo más importante en un artista no es decir las cosas, si no cómo se dicen y eso no se aprende, eso está en tu esencia , en el subconsciente, y eso es válido tanto para lo figurativo como para el abstraccionismo o el cinetismo o cualquier ismo.


-Cincuenta años después de sus primeros óleos, La señora y Bodegón con flores, ¿Cuáles son los resultados inmediatos de ese proceso...Cómo ha sentido evolucionar al mismo..Está satisfecho con lo que ha logrado hasta  este momento..?

-La lectora y Bodegón con flores son obras que pertenecen a el período de mi formación, quizás Bodegón con flores es una obra que realicé ya un poco alejado del academicismo y dentro de una búsqueda más expresionista, tenía yo diecisiete años y estaba descubriendo la obra de el colombiano Alejandro Obregón y la realicé bajo su influencia. Por supuesto, esa obra quedaría rezagada cuando comienzo a trabajar con el tema de las probetas y que considero yo que es el comienzo de mi verdadero lenguaje y es de donde parte mi periodo de dibujo, ya con la visión y la influencia de los caprichos de Goya, en lo dramático y en lo técnico, con la diferencia que los caprichos son aguafuertes y lo mío eran dibujos realizados con tintas, agua y plumillas. Mi evolución ha sido en base a mucho trabajo, mucho pintar, y sigo evolucionando constantemente siempre en torno a mi visión e inclusive retomando de mis comienzos y reinventándolos.

En este momento estoy trabajando también con grandes dibujos en tinta china y aguadas, como lo hice hace cuarenta años, pero con la experiencia acumulada se convierten en obras totalmente nuevas y de una vigencia única y se insertan completamente en todo lo que he estado haciendo en los últimos años y el público lo percibe como una novedad, eso me parece extraordinario!! Hasta el momento no estoy satisfecho con lo que he logrado, pero si estoy contento porque siento que este es el camino no para ser más reconocido pero si para llegar cada vez más a más gente.


-De lo que la crítica especializada asumió como la Escuela de Maracaibo..¿Qué agregaría y/o sustraería si estuviese dándose el mismo movimiento en esta era?

-Eso fue un movimiento que se dio en el momento que tenía que darse, creo que ese fenómeno no se repetira de nuevo porque para darse tendrían que coincidir varias cosas. Lo primero sería volver a lo que eran las escuelas de arte en esos años, cuando existían dos academias de artes, la Neptalí Rincón y la Julio Árraga, donde se veía arte puro, se estudiaba exclusivamente arte, eso permitía la concentración de algunos talentos que convivían en las escuelas, recuerdo que nosotros prácticamente vivíamos en la escuela y eso nos permitía trabajar juntos en torno a un mismo lenguaje y con una herramienta que era el dibujo, en ese momento estaba de moda en Venezuela la llamada nueva figuración con artistas como Alirio Rodriguez, Régulo Perez y Jacobo Borges , a pesar que en esa época no existían los medios que tenemos hoy, nosotros estábamos muy informados y  esas  eran nuestras referencias aquí en Venezuela. Y fuera de aquí, artistas como Francis Bacon y el mexicano José Luis Cuevas.

El dibujo no era una técnica muy frecuente en ese momento y nosotros fuimos pioneros en hacer nueva figuración por medio del dibujo, puedo mencionar artistas de ambas escuelas que coincidimos en ese momento en la llamada nueva figuración en Maracaibo. Filiberto Cuevas, Ángel Peña, Henry Bermudez, Ender Cepeda que al igual que Oswaldo Parra no pertenecían a ninguna escuela pero trabajaban con nosotros y un poco más tarde Edgar Queipo, Pedro Piña aunque no hacía nueva figuración se formó con nosotros. Algunos como Peña, Parra, Piña y yo formamos el grupo “Seis contra la rosca” y antes habíamos creado el grupo “Las hormigas cabezonas”. Nosotros participábamos en los salones de arte que se hacían en el pais y algunos ganamos varios premios y nuestra obra se comenzó a conocer en Venezuela. Ángel Peña, Ender Cepeda, Henry Bermudez y yo comenzamos a exponer en museos y en las mejores galerías y formamos parte importante de lo que se llamó el nuevo dibujo en Venezuela.

Luego Peña, Bermúdez y yo fuimos seleccionados para representar a Venezuela en la Bienal de Venecia, que tres artistas de una misma región sean elegidos para participar en una Bienal tan importante tampoco es fácil de repetirse, también fuimos invitados a participar en las Bienales de São Paulo, Bienal de Paris, La Habana, etcétera. Para que se pueda dar eso de nuevo, primero tendrían los artistas jóvenes que dejar el pequeño espacio de confort y asumir riesgos como lo hicimos nosotros, venir a Caracas y confrontar la obra en galerías, existen en Mcbo grandes talentos qué bien vale la pena ser vistos aquí en Caracas pero tienen que derribar ese muro de contención que pareciera ser ese gran lago.

-Describa un poco lo que fue ese proceso intelectual de retroalimentación, tanto con la autora como con el editor del libro, Antonio Ascaso...También resulta básico conocer de esa relaión inusual de trabajo, entre un artista con su galerista, y viceversa...


Con Bélgica la relación es de hace muchos años, ella es a mi parecer la “sobreviviente” de esa élite de críticos que confluyeron hace años acá. Roberto Guevara, Juan Calzadilla, Rafael Pineda, Juan Carlos Palenzuela, eran excelentes todos. En los últimos años Belgica y yo hemos fortalecido la relación de trabajo. Ella ha escrito en casi todos mis catálogos de las últimas exposiciones con Ascaso y se ha relacionado muy bien con mi trabajo. Pienso que Belgica es una de las  criticos de arte más vigentes e importante de Latinoamérica. En cuanto a mi relación con Antonio Ascaso data de los años noventa y he sido testigo de su crecimiento como galerista.

Crei en él desde que comenzó su trabajo con la galería en Valencia y trabajaba yo primero con la galería Euroamericana y luego con la galería Freites, éramos amigos en esa época pero siempre tuvimos la inquietud de trabajar juntos hasta que se dio el momento de hacerlo, inclusive fui criticado por algunos compañeros por dejar una galería como la Freites en Caracas por una de provincia. Así decian de Alirio Palacios y de mi, pues bien el tiempo nos dio la razón y la galeria Ascaso es en este momento la más importante del país y la de mas proyección a nivel internacional!! Y lo más importante, aparte de ser mi galerista, somos amigos!!

-¿Asumiría alguna condición que lo perfile como un artista “neorrenacentista”..?

Soy gran admirador y seguidor de los clásicos y mis grandes referencias son básicamente ellos y mi primera influencia fue Goya. Después fuí descubriendo todo el arte renacentista y su grandeza!! Pues si, si me considero un artista neorrenacentista con una visión contemporánea conceptualmente y técnicamente: Soy admirador del gran arte y la buena pintura, disfruto mucho, por ejemplo, cuando hago una versión de algún cuadro  que me gusta como Aglae, Eufrosine y Talia, Las tres Gracias de Rubens o algunas de las Meninas de Velázquez o alguna Madonna de Rafael!! Creo que el renacimiento fue unos de los momentos estelares del gran arte.

-¿Cómo le gustaría que lo percibiese, lo asimilase, hablo de su obra. la gente común de su región nativa..?

Me gustaría que me percibieran como una persona que siempre representa el arte del Zulia en cualquier parte que me encuentre y mi mayor aspiración  es ubicarme en el subconsciente colectivo de mi pueblo y ser una especie de referencia entre  los jóvenes artistas!!


-Por ráfagas, el país se nos vuelve un garabato..¿Qué haría para transformarlo en un dibujo de arte?

A estas alturas habría  que hacer muchas cosas, lo primero sería darle  un cambio drástico a la economía, eliminar los controles que tanto daño le han hecho al país. Volver al sistema educativo de antes que con todo y sus fallas era bueno! Retomar los espacios culturales y volverlos a llevar al nivel que tenían antes. (Macsi, Gan, Museo de Bellas artes, Casa Rómulo Gallegos y demás museos e intituciones culturales en todo el pais ), incentivar la mentalidad productiva y de trabajo en la gente, acabar con esa  “ cultura” perasitaria  y atacar fuertemente la corrupción.

-Ese carácter onírico de su obra, ¿cómo condensa el conjunto de sus demás experiencias estéticas con otras disciplinas de la creación?

 Le escultura , el carácter onírico está unido a uno , no es algo que se adopta, por ej en las esculturas el proceso es totalmente distinto a el dibujo y la pintura, pero aún así el espíritu y la esencia se mantiene porque eso es ineherente a uno como creador, es tan fuerte que aún utilizando un equipo de gente para realizar la escultura eso no se pierde y solamente con la presencia del artista en el taller aparte de los dibujos que uno desarrolla para que la escultura se concrete, el espíritu de mi lenguaje aflora, es inevitable !! Allí lo maravilloso de crear.


-La condición social y política del artista aún se considera un factor para evaluar su obra total. ¿Cómo asume esta afirmación, desde la perpectiva de su trabajo?

 En los últimos tiempos el artista ha querido tomar un rol transformador del fenómeno político - social, ya el artista “ genio- creador “ ha ido desapareciendo de la sociedad, en mi caso no estoy muy de acuerdo con eso porque repito mi obra es producto de un mundo muy íntimo y personal y muy lejos de considerarlo como una mera mercancia,  pero con la aparición de la relación arte - círculos de poder ( gobierno, museos, subastas y circuitos de galerías)  del que así no queramos formamos parte,  el arte pasa a ser mercancía  y un indicador de status social y así las obras alcanzan unos precios astronómicos en La grandes subastas de arte y que son pagados por una burguesía privilegiada que son los que verdaderamente pasan a ser los que disfrutan dichas obras e inalcanzable para el común que es a donde tendría que llegar para convertirse en un ente transformador de una sociedad,  y el papel de los gobernantes que serían los indicados para que el arte cumpla esa función se muestra nula al no contar con las herramientas necesarias para que el arte llegue a las masas y se convierta en verdadera transformación , son las galerías privadas las que hacen el papel de difusión y promoción del arte a falta de políticas culturales de dichos gobiernos.

-¿Cómo anhela compartir la regia celebración de estas Bodas de Oro profesionales?


Pintando!!

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